ヤマネアートラボ有象無象

風景／網膜

今回の展覧会には展覧会タイトルにもなっている[螺旋]をモチーフとした作品が多数出品されていますが、今回取り上げる[風景／網膜]というタイトルの作品も4点含まれています。
この作品のみ美濃和紙に描かれており、他の作品の純白な下地とは少し趣を異にして、少し黄土色がかっています。
美濃和紙とは言うまでもなく日本最古の和紙で、古くは大宝律令(701年)により定められた戸籍の記録用紙として用いられていたくらいです。現在では有名な岐阜提灯や、卑近な例では障子紙にも用いられています。
紙の話はさておいて、この[風景]シリーズでは[螺旋]の作品とは全く違った筆使いで描かれている、ということが一目でわかります。[螺旋]では1本の線が連続して流麗に動き回り、絡み合って物の形を形成しているのに対し、この[風景]の画中には長く連続して走っている線はありません。均質で短く区切られた線が重なることなく繋がって自然界にある木、石などの形を作り出しています。
それは[網膜]という言葉に起因しているといえます。網膜とは言うまでもなく人(動物)の目を構成する重要な部分で、カメラで言うならフィルムに相当する役割を果たしています。カメラではレンズを通して入ってきた光を受けてフィルムの感光膜上に取り込まれます。その時光は粒子の形として受け取られていることになりますが、同じことが人間の網膜上でも起こっている訳です。
もうお分かりでしょう、粒子、点。点のように小さくなった形で網膜上に取り込まれた光は電気信号に変えられて私たちはものを見ているわけですが、それを逆の方法で見えるものを点によって表現しようとした作品といえるでしょう。

山麓の滝

今回の展覧会では和紙に墨の黒一色の作品が大半を占めていますが、中には色彩(らしきもの)が加えられているものもあります。
ここに取り上げた「山麓の滝」もそのうちの1点です。基本的には和紙に墨で螺旋を基本に図を形成している、という制作方法をとっていますがこの作品では墨線がかなり密に重なり合い、ヌュアンスを含んだ黒の色面が画中に多く見られます。このことだけでも前回紹介した線を主体とした作品とはかなり違った印象を受けます。さらにこの作品では左右の上部から中央に向かって金色のような色面が画中に侵入しており、それによって画面は三分割されたように見えます。この金色のように見えるものの正体は雲母の粉を絵の具にしたもので、日本画では古くから使われてきた画材です。
白い和紙に墨一色の禁欲的ともいえる画面にこのキラキラとした雲母(キラとも言う)が侵入してきたことにより、画面全体から受ける印象は一変して装飾的なものへと変容してしまいます。金を多用した世紀末の画家クリムトの作品に見られる官能的な美にも通じるような、或いは江戸初期～中期にかけて活躍した宗達光琳派を思わせるような独特な美の世界へと誘い込まれるようでもあります。

天涯図

今展覧会の出品作中最も大きな作品です。といってもこれは全体図の左半分だけで、実際の画面はこれの倍、横幅366㎝もあります。壁面の都合上、半分だけの展示となりましたが、それでも存在感、迫力は十分で、見る人を圧倒します。
展覧会タイトルの通り画中には[螺旋]がここかしこに見られ、それらが複雑に絡み合い、連携して画面全体へと広がっています。一見機械を使って描かれたようにも見えますが、実際には細くて毛足の短い筆を使ってフリーハンドで描かれたものです。近づいてよく見ると自由に動き回るストロークの軌跡を見て取ることが出来、また部分的には擦れているところも見えて、筆の息遣いを感じることが出来ます。
タイトルの[天涯]について作者からその意図を聞いてはいませんが、今回の展覧会全体のコンセプトから言って、この言葉は実に深い意味を持っているということに気がつきます。つまり生命体を形成する細胞の基本形態は螺旋であること、それが増殖し、進化して人類が生まれ、人にはそれぞれの人生というものが与えられる。その一生が放り出されているところが天涯、つまり天の果てであり、永遠の場所である、ということなのでしょう。

no.4

１０月から始まった展覧会も会期を残すところあと一週間となりました。これまでお越しくださった皆様に感謝の意を表しますとともに、まだご覧になっていない方は是非来週ご来場いただくことをお願いします。何れも見たことのないような不思議な形で、想像力の羽を十分に伸ばすことの出来る作品ばかりです。
伊藤さんが自作を３種類に分けて考えている、ということは先に解説しましたが、これまでに触れていなかった第３種類目の作品をご紹介します。
この一群の作品はこれまでご紹介した所謂ブロンズを使ったものではなく、白銅といわれる合金を素材としています。ブロンズとは銅に錫を混ぜているのに対し、白銅は銅とニッケルの合金で見かけは白っぽくいわゆる銀色をしています。これは１００円玉などにも使われている素材で、結構日常的に使われており、よく目にするものでもあります。
伊藤さんの場合この白銅を素材とする作品は大体において小さめ、シャープで尖った形のものを多く作っています。今回ご紹介するこの作品no.4も4.5×5.5cmに奥行き10cmと非常に小さなものです。しかしながら写真のように鳥の嘴部分だけを取り出して表現したような、愛くるしく親しみの持てる作品となっています。
このように小さくて非常にシャープな造型が他の３点に作品にも見られますが、なぜ白銅の作品に関してはこのようにとんがった形を追求しているのかは本人にもまだ聞いていませんし、その真意が何処にあるのかは窺い知れません。
ただ、ブロンズよりも素材自体が外見の色からしてシャープさを強調するのに向いている、ということは確かでしょうし、ブロンズの持つ温かみ、というよりはいささか冷たさを感じさせる素材であることから、こういった造型へと向かったのかもしれません。

no. 11

伊藤さんの作品には今回のような番号だけのもののほかに他に英語のタイトルがつけられたものが多々あります。どういう基準でタイトルがあったりなかったりするのかは窺い知れませんが、大体においてこれまで紹介してきたように光沢がでるまで磨き上げた作品の場合は殆どがタイトル有となっているようです。
さてこのno. 11は見ての通り黒っぽいぼたぼたの金属の塊があって、それに角をはやしたような形態を持っています。伊藤さんは大学で鋳金を学び、その経験を生かして現在でも鋳造の工房で働いています。したがって他人の作品を鋳造してくれと発注された場合、当然仕事として原型を基にブロンズの鋳型を作り、それに融けたブロンズを注入して作品化するわけですが、その工程において必ずはみ出して床に落ちる部分がでてくるわけです。それは人間の意図と関係なく床に落ちて固まるわけですから思いもしない形が残ってしまう場合が殆どです。
伊藤さんの場合その床に残った塊を集め、再構成してこの作品のように意図して作った部分をくっつけて、もとの形とは全く違う独自の作品に変貌させてしまっているのです。こうして出来上がったものは新たに生命が吹き込まれ、大空に向かって羽ばたく鷲のようにも見えてくるから不思議です。でも良く考えると自然界にこのような形をした生き物がいるわけはないのですが、しかしながら何故か生命のあるもののように見えてしまうところが芸術家の作品であることの証であるとも言えるでしょう。